BAJO EL TEMA : EL COLOQUIO DE LOS PÁJAROS, CUANDO LAS CULTURAS VIAJAN…

Johnny Clegg no necesita presentación, el frenesís musical de su arte siempre ha estado ligado a la lucha contra el apartheid. Su canción Ibhola Lethu que habla de la segregación en los estadios donde los negros no podían sentarse junto a los blancos fue elegida como canción oficial del Mundial de Fútbol 2010.

Respecto a Johnny Clegg, sus primeros pasos con quince años en los ghettos negros supondrán toda una revolución para él y le llevará hacia la cultura Zulú, de la que se convertirá en los años apartheid en su máximo embajador.

“El zulú blanco” abrirá junto con Sipho Muchnu una voz completamente nueva: la del mestizaje entre los ritmos negros y blancos en pleno corazón del Apartheid. Reconocimiento estelar de la cultura zulú de manos de un artista blanco iniciado al simbolismo de la gestualidad de ishihamani, la danza tradicional. Más tarde le llega la consagración mundial en la que se compromete políticamente y de la que puede enorgullecerse junto al espectro de Nelson Mandela.

Rokia Traoré – Mali 

Beautiful Africa

Raokia Traoré manifiesta la solidez de sus raíces de Mali, profundamente habitada por la riqueza siempre cambiante de esta herencia.

Raokia Traoré permanece fiel a su búsqueda interior, continuando el desarrollo de un universo musical profundamente singular, creando su propia lengua, un idioma musical que emana de una fuente secreta a veces misteriosa. Durante años ha ido escribiendo una música que se inscribe en la nueva percepción que Occidente tiene de la música africana. Rokia Traoré posee ese espíritu independiente de niño nómada, de hija de diplomático de la nobleza bambara, e incluye en su obra la noción de la universalidad de la música africana. Su recorrido musical comporta una comprensión íntima de sí misma así como un entendimiento del otro y del mundo que la rodea, en un ejercicio que exige paciencia y aplicación. Es este largo trabajo de reconocimiento interior y de liberación de la palabra, de los deseos de los pensamientos lo que refleja su obra Beautiful Africa, su último trabajo, demostrando que la música puede ser también el medio para una búsqueda espiritual e iniciática.

Malina de nacimiento y de cultura, Rokia Traoré ha viajado el mundo y conocido el exilio desde su infancia, todo su recorrido musical parece hacer eco a esta experiencia, que le permitió sentir a la vez la solidaridad de sus raíces y la belleza del movimiento, el valor de lo innato y la riqueza de lo adquirido.

Su carrera, entre instrumentos africanos tradicionales y guitarra eléctrica en bandolera, entre Billie Holliday y Alí Farka Touré, canción francesa y rock, baladas malinké o cercana a los grandes songwriters ingleses, siempre en perpetua renovación.

Como un pájaro migratorio (una de sus canciones evoca la belleza calmante de los cantos de pájaros migratorios Tuituit), Rokia sobrevuela la música más allá de las fronteras, y permanece habitada por una inspiración versátil, mezcla de calma interior y determinación que caracteriza a los espíritus conquistadores. Esta felicidad se traduce en facetas tan variadas como harmoniosas: Rokia Traoré, después de haber encontrado un justo acuerdo entre la parte europea y la parte africana de su identidad, después de haber establecido fructuosas correspondencias armónicas entre el bambara, el francés y el inglés, bosquejo de una África cuyos paisajes eléctricos y salvajes son todavía hoy en día la principal fuente de inspiración de las músicas actuales.

Tomatito Sextet – España

con la participación excepcional de Omar Bouzmaazought

Tomatito, nativo de Almeria, guitarrista oficial del desaparecido Camarón de la Isla, pertenece junto a Paco de Lucía a la élite de la “guitarra flamenca”. Sus “toques” y su música transmiten la esencia misma del alma gitana. Durante el concierto invitará a la escena a Omar Bouzmaazought, gran maestro tamazigh del lute. Tomatito gana su sobrenombre de su padre, él mismo llamado Tomate, y de su abuelo que se llamaba Miguel Tomate, según una costumbre normal en el mundo gitano. Tomatito es el heredero de una verdadera tradición familiar. Su inmenso talento le destinó de muy joven a ser el sucesor de Paco de Lucía. Desde 1975 remplaza al primogénito para convertirse en el fiel acompañante de Camarón de la Isla, junto al que permanecerá 18 años. Con la muerte del cantante en 1992 Tomatito continuará afirmando su estilo y su destino musical. Pese a algún coqueteo con el mundo del jazz y del pop junto a Michel Camillo o John Mc Laughlin, Tomatito se nutre constantemente de su propia tradición. Su toque excepcional a la vez preciso y apasionado, es la marca de estilo propia del arte de la guitarra gitana.

Entre tradición e innovación, dentro de lo que podríamos llamar “nuevo flamenco”: bulerias, soleas o tangos respetan a un flamenco que evita cualquier virtuosidad superflua o extravagante. Las notas como extraídas de la raíces históricas de esta herencia nómada, se convierten en notas aéreas y parafrasean a maravilla el título de un álbum de Tomatito: “Soy flamenco”…

Para este concierto, Tomatito se juntará con otra gran tradición ancestral, la del lute tamazigh convertido en célebre por el desaparecido artista Rouicha.

Jordi Savall Lire d’archet & Rebab
Driss El Maloumi Oud y Chant
Hakan Güngor Kanun
Houcin Baqir Percussion

Diálogo entre las músicas instrumentales de la antigua España cristiana y de las grandes tradiciones de Oriente.

Gambista, director de orquesta, compositor, concertista, pedagogo e investigador, Jordi Savall debe su pasión por la música antigua a la música de Bach interpretada por Pablo Casals, el célebre violoncelista Catalán. Jordi Savall abre su espíritu a una visión humanista y universal. En los años 70 los músicos se interesaban por la música barroca, del Renacimiento a la Revolución. Se redescubren los instrumentos antiguos (clavecín, tiorba, órgano tubular), es en este contexto que Jordi Savall se convierte en uno de los referentes de la Viola de gamba, ancestro del violoncelo.

En 1991 le llegará la fama gracias a una película de Alain Corneau, “Todas las mañanas del mundo”, que cuenta la historia del músico Marin Marais, el mismo músico que inspirará a Jordi Savall la elección de la viola da gamba; el nombre de Jordi Savall es indisociable del de la soprano Montserrat Figueras, su mujer, fallecida en 2011, y de los diferentes conjuntos a los que ha acompañado: Hesperion XXI, la Capella Reial de Catalunya o el Concert des Nations. La grabación Oriente – Occidente que mezcla músicos afganos, israelitas y turcos, nació como reacción a la invasión de Afganistán en 2001. Un problema político que les supuso en 2008 ser nombrados  “Artistas de la Unesco por la Paz”. Con gran sinceridad, siendo él mismo un mediterráneo convencido, fue uno de los primeros en cruzar la puerta de un Oriente personificado por múltiples artistas prestigiosos los cuales, a su lado, harán de puente entre un oriente y un occidente en una época de música modal.

Descendiente de los indios quechuas, Luzmila canta sus rezos dedicados a las divinidades, a su pueblo, a la naturaleza y al cóndor, el mensajero y señor de las montañas. Luzmila puede incluso cantar en el idioma de los pájaros que vienen a anunciar la recolecta.

De origen américo-indio y quechua-Aymara, Luzmila Carpio nació en Kala Kala, un pequeño pueblo boliviano de la cordillera de los Andes. Desde su más tierna infancia une el conocimiento ancestral de sus raíces con la dificultad de reavivar la cultura de una civilización mermada por los conquistadores españoles.

Los quechua son originarios de las regiones andinas de Perú, de Bolivia y de Ecuador (donde se les llama Kichwa), así como también en el norte de Colombia (Inga), al norte de Argentina y de Chile, que corresponde al antiguo territorio del reino de Cuzco creado en el siglo XI, que se convertiría en el gran Imperio Inca.

Llegada un día de su pueblo de montaña para instalarse en la ciudad en los años 60, se le consagrará como princesa “nusta” con el conjunto de Los Provincianos. Luzmila Carpio conseguirá así hacer revivir la tradición de los indios Quechuas gracias a una inspiración profundamente enraizada con la cultura andina.

Se convierte en la embajadora de la Cultura indígena Boliviana. A través de los jayllis (himnos sagrados), los arawis (de carácter más sentimental) y los cantos ligados a la fertilidad, ella nos abre las puertas de un universo musical poético casi olvidado. A capela o sobriamente acompañado de un charango, de una guitarra, de flautas o de coros, Luzmila canta rezos a las divinidades, a su pueblo, a la naturaleza y al cóndor, y también nanas, cantos para recuperar la salud o festivos ensalzan esta herencia de un mundo étnico que lleva su voz frágil y aérea. Una voz que parece llegar hasta la cima de las montañas y atravesar como un pájaro atraviesa con su vuelo las montañas de los Andes.

Cantos sacros gitanos de la Provenza – Francia

Dentro del respeto por lo sagrado, el canto gitano provenzal se articula alrededor de la lengua catalana, española y latina. Se presenta bajo un aspecto simple, depurado y profundamente inspirado por una tradición gitana poco conocida.

Bajo la dirección artística de Tchoune, cantaor gitano, y Gil Aniorte-paz, se explorará este peculiar registro, reuniendo los cantos sagrados dedicados a Sara, a la Natividad, a cantos interpretados también en familia y que pertenecen a la tradición gitana provenzal y andaluza, y cantos tradicionales populares que emanan del repertorio provenzal.

Las ricas tradiciones de la Provenza y en particular las del Camino de Santiago, del peregrinaje de Santa María del Mar, de la Natividad y de los cantos sagrados de las bodas gitanas, se inscriben en el marco de una tierra que conoce la riqueza de unos cantos que provienen de la lejanía de la Edad Media.

Los gitanos forman parte de la vida diaria de la Provenza y marcan el imaginario colectivo de la región con sus músicas y sus bailes.

El nombre “gitano” se le da a toda la población zíngara originaria de España y Cataluña. Y pertenece a un solo grupo instalado desde la Edad Media en Saintes Maries de la Mer.

Los gitanos se definen desde entonces como “catalanes o andaluces”. Y son los mismos que han dado a España ese regalo que es el arte del Flamenco.

El cante Flamenco permite el intercambio musical con artistas no gitanos ya sean de origen andaluz o de origen provenzal y encuentra naturalmente su sitio en la tradición provenzal de las fiestas populares y pastorales.

Bardic Divas : Mujeres poetas de Asia Central Ouzbekistan y Kazakhstan

Mujeres poetisas de Asia central

Estas mujeres bardo, orgullosas y nobles, encarnan hoy en día la excelencia de una poesía y de una cultura influenciada por la Ruta de la Seda, las piedras preciosas de los antiguos palacios y por las estepas nómadas de Asia central.

Con la colaboración de Aga Khan Music Initiative, un programa del Aga Khan Trust for Culture.

La poesía heroica es la joya común de los nómadas pastores, del mar Caspio al mar de Japón. “Comparamos el canto épico kazaco jyraou a un pura sangre que galopa, transpira y se hace admirar por todos” cuenta Ulzhan Baibussynova. “Justo antes de interpretar, nos tomamos un té con carne de cordero, pues el jyraou que transpira canta mejor”. Es entre estepas y cielos que la música fue inventada por Korkyt-Ata, que supo seducir a la Muerte con su canto. En plena revelación, unos ángeles vinieron a él: “enrolla piel de camello en una pieza de madera y cose una cuerda con pelo de caballo” mientras con su arco hacía resonar su qyl-qobyz la Muerte no podía atrapar al mítico poeta…La viola de arco de dos cuerdas frotadas fue temida durante siglos como atributo sagrado de chamanes baksy. Raushan Urazbayeva domina a la perfección su repertorio, constituido por Kuï, piezas cortas parecidas a las imágenes musicales de un ser, de una reflexión filosófica o de un estado emocional. Ella hace de su cuerpo un instrumento musical acompañando cada movimiento de arco, jugando a hacer re-sentir variando las figuras, los ritmos y los climas con una sutilidad elocuente.

En cuanto al arte refinado de los cursos shash-maqâm, se dice que es imposible aprenderlos y ni tan siquiera apreciarlos antes de llegar a una edad madura.

La dura vía elegida por la joven maqâmchi Nodira Pirmatova no ha podido distanciarla de los géneros dichos “clásico-populares” (Khalqi klassiki), de la canción (qoshiq) o de las tradiciones de las mujeres de Boukhara (sâzanda). Tres mujeres poetisas que poseen el orgullo guerrero, la dulzura femenina y la nobleza nómada; de la aspereza nace la plenitud, de la simplicidad la belleza.

Enmarcado en un espíritu de composiciones, de improvisaciones eruditas, de arias tradicionales y populares, dentro de la alternancia de textos litúrgicos y de versos poéticos, tarab y duende, dos formas de emoción ligadas a Andalucía, entran en consonancia. La nostalgia del canto judío sefardí y de los romances judío-españoles de François Atlan evocan esta tierra andaluza, caldo de cultivo de culturas musulmanas, hebreas y cristianas y es allí donde se entrelazan poesías judías y árabes.

Después de la caída de Córdoba es el turno de Granada, y en esa tierra se desarrolla el arte de la nawba hasta 1492. La Reconquista por los soberanos cristianos hará que el Magreb reciba en sus suelos los vestigios de esta música árabo-andaluza y el arte de matrouz, bordados de palabras poéticas en hebreo y árabe. Estas expresiones, perpetuadas por la comunidad judeo-árabe, participan plenamente en la cultura local impregnada del orgullo marroquí, que permanece hoy día muy unido a esta herencia.

En la poesía de las sinagogas, el Cantar de los Cantares o los cantos sagrados que se refugiaron en las grandes ciudades del Magreb celebran el cuerpo celeste; lejos de las bacanales dionisíacas de antaño, el culto del vino se convierte en el símbolo de la embriaguez espiritual.

A través de la perfección y la preservación del repertorio de la música andaluza, gracias a la complicidad entre artistas judíos y árabes, que pese a divisiones y conflictos políticos participan de la misma universalidad Oriental y sintetizan todos esos Orientes que continúan existiendo más allá del tiempo y del espacio.

Raza Khan y Coumbane Mint Ely Warakane – India, Mauritania

Creación :  « Poesías de arena y palabras nómadas »  

Vamos al encuentro de dos grandes tradiciones inspiradas: la de qawwalli penjabi y la de la poesía hassanida del Sahara mauritano, verdaderos puntos de convergencia de un viaje poético inspirado por la exaltación mística.

Las entonaciones a menudo desgarradas y exaltadas de los cantos de las mujeres griotas del desierto, en plena ósmosis con la intensidad del canto qawwali, siempre al borde de este precipicio que evoca el poeta Federico García Lorca cuando habla del “duende” tan grato al flamenco. Palmas de manos frenéticas por parte de las qawalls y de las mujeres del desierto colmarán este rencuentro.

El canto qawwalli, expresión sufí del continente indopaquistanés vive gracias a los qawwâl, cantores músicos pertenecientes a la orden confrérica chishtiyâ creada en India por el Santo Muînuddîn Chistî ‘Kwaâjâ Gharîbnawâz , muerto en 1236 en Ajmer. En sus reuniones religiosas podemos escuchar a estos grandes cantantes declamar su arte frente a la tumba o frente al santuario dargah de un santo pîr, rodeados de sus discípulos y del público asistente a estas fiestas tradicionales.

Es gracias al gran poeta indio persa Abu Hasn Yaminuddin Khusrau (1253-1325), más conocido bajo el nombre de Amir Khusrau, que la música clásica hindustani así como el canto qawwalli toma su forma modal y poética. Este gran poeta místico, discípulo de Nizamuddin Auliya, uno de los más célebres maestros de la orden chishtiyâ (y cuyo mausoleo en Delhi es punto de encuentro común de reuniones místicas) fue el creador de este repertorio poético clásico indopaquistanés cantado todavía hoy en día por los qawwal en la lengua farsi (persa), la lengua clásica.

En cuanto al arte de los griotos mauritanos, expresión de la cultura hassanida, supone un extraordinario punto de encuentro entre el universo arabo-bereber y el universo negro del África del Oeste.

La voz bruta y apasionada se mezcla con palmadas frenéticas, alabando a los antiguos dignatarios de las tribus, evocando las proezas de los guerreros y los campamentos de otros tiempos.

En la poesía del desierto, el agua y los árboles se convierten en metáforas de una visión paradisíaca,  y el oasis es la representación en el desierto del “bustân”, ese jardín oculto símbolo de la civilización árabo-andaluza.

La tierra mauritana permanece el nexo entre el África blanca y el África negra. En el siglo XI nació en Marruecos el imperio Almorávide que exportará el Islam hacia esas nuevas tierras del Sur.

Las poesías populares se cantan en hassâniyya, árabe dialectal, mientras que los poemas clásicos como las antiguas qasîdas, un tipo de epopeyas, se cantan en árabe clásico.

Para algunos la palabra que designa el grioto: iggiw, sería originaria del wolof gêwel, y para otros del árabe îqa (ritmo), pero la hipótesis más extendida es que es de origen bereber: iggiw vendría de awi y iwi (llevar, traer, improvisar).

« El Cántico de los Pájaros”- Una lectura musical de Leili Anvar – Francia – Irán

“El cántico de los pájaros”, obra maestra de la literatura persa, es la expresión poética de una búsqueda iniciática universal. A través de sus cuentos, de sus relatos, de sus anécdotas, de las palabras de santos y de locos, Leili Anvar, con gracia e inteligencia, nos transporta hacia otro descubrimiento de nosotros mismos.

“El cántico de los pájaros” será el hilo conductor de esta edición, un texto mítico que invita a los comentarios. Attar ante todo. Además de droguero, perfumista, derviche, gran viajero del espíritu, místico y sufí, Farîd od-dîn Attar posee el recorrido sinuoso y el pedigrí de los hombres que se han ganado una leyenda. Nacido en la Persia del  siglo XII, Attar vivió alrededor de 101 años antes de acabar decapitado después de la invasión mongol. Attar es en realidad un sinónimo para el que compone perfumes…movido por la hermenéutica sufí, se le atribuye una obra de entre 100.000 y 200.000 versos, compuesta bajo una inspiración que él consideró “don de Dios” y sinónimo de despertar, su creación entró en Europa gracias a esas “caravanas del saber” que viajaban entonces a través de la Sublime Puerta hacia los monasterios para consultar a los eruditos en la época medieval.

La traducción en verso de Leili Anvar restituya la dimensión poética del texto original y revela su potencial simbólico. A través de la evocación poética de esta gran pintura poética, “El canto de los pájaros” brilla todavía con la música que una noble imaginación espiritual infundió entre las estancias (tipo de composición poética) del relato. Un respiro perfumado, una maravilla sonora que le ha sido hoy restituida por esta lectura en verso de Leili Anvar, que ha modelado durante cuatro años la traducción de este largo poema de iniciación en una lengua inteligible, provocando el poderío de estos límpidos alejandrinos duros como un diamante y envolventes como el humo del incienso.

El Arte del Melhoun de Fez a Meknes – Marruecos

Grandes voces femeninas y masculinas como la joven Nouhaila al Kalai ornamentarán este arte de la palabra cantada, a la vez erudita y popular. Tanto bajo en forma poética como musical, el malhoun  es la literatura de los artesanos de la medina que justo hasta la llegada de la industrialización, formaban parte del fondo popular y urbano de la sociedad marroquí. El melhoûn se ha impuesto como un arte poético con derecho propio, a través de sus qasida y zajal, largos poemas narrativos, entre realidad de lo cotidiano, misticismo, anécdota y fabulación.

Es en Tafilat, sudoeste de Marruecos, donde primero se originó el melhoûn antes de expandirse hasta Marrakech, Meknés o Fez. Retomando ciertas influencias andaluzas forja su propia personalidad popular, dentro del laberinto de la medina resuenan todavía estos poemas de amor y estos cuentos dignos de las Mil y Una Noches.